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Arte en vidrio. Escultura para diseño de interiores.
El vidrio es sin duda uno de los materiales más nobles y bellos que existen. Se puede moldear por los expertos de formas impresionantes haciendo de lo rígido algo flexible.
Vitrales, espejos, jarrones, muebles, cristalería, podríamos mencionar miles de objetos y de artesanías que se nutren con el vidrio y su belleza. El mundo de la escultura se ha visto enriquecida con el vidrio y sus valores en transparencias, reflexión y por supuesto, por la integración de color. Descubramos más sobre el vidrio como material de escultura:
Arte en vidrio. Escultura para diseño de interiores
Trabajar con este material puede llevar al artista, a niveles estéticos más elevados, esto refiriéndonos a que no se trata de cristalería como la que empleamos día a día, sino a piezas únicas diseñadas y creadas con un objetivo estético.
El vidrio soplado se distingue en su belleza y podríamos pensar que una obra de arte, pero por su amplia producción entra en la categoría de artesanía, aunque no lo negamos, las piezas son supremas.
El arte en vidrio son aquellas piezas esculturales únicas elaboradas con este material. Se distinguen por ser objetos únicos enfocados en sus valores artísticos, en color, volumen, equilibrio, reflexión de luz y sombra y demás aspectos estéticos (aunque las piezas son realizadas en varias ocasiones con técnicas que no son distintas a las de una artesanía).
Entre sus representantes podemos encontrar a René Roubícek, Livio Seguso, David Patchen o Dale Chihuly, lo impresionante de contemplar a cada uno de estos creadores es que de un material semejante, logran obras distintas unas de otras, destacando la flexibilidad del vidrio en las obras de Chihuly y la colorida simetría en la obra de Parchen.
Diseño de interior y arte en vidrio
Si bien es cierto, las obras de los artistas que hemos mencionado son piezas con costos exorbitantes, nosotros podemos acercarnos a este tipo de arte en piezas de producción industrial.
En países como México, se pueden encontrar verdaderas obras de arte en las piezas de vidrio soplado y se pueden comprar en ferias y mercados de artesanía. Una importante tradición de arte en vidrio existe en el país y demás ciudades alrededor del mundo.
En vitrales para el hogar podemos encontrar un acercamiento a este arte, y por supuesto, en las esculturas típicas que podemos encontrar en nuestros viajes o con esos gratos hallazgos que son tan comunes en mercados de pulgas y bazares. ¿Piezas de vidrio vintage? ¡Sí por favor!
Como podemos ver este arte en vidrio es rico y tiene un papel importante dentro del mundo del arte. Podemos encontrarlo en museos y galerías, pero también puede ser una pieza central en nuestro hogar. Integremos el arte en vidrio en nuestro diseño de interiores y disfrutemos de su gran belleza.
El modernismo catalán y sus interiores llenos de naturaleza y encanto
Si un movimiento artístico se distingue por su exaltación e inspiración en la naturaleza es el modernismo, que se desarrolló a finales del siglo XIX y principios del XX.
Es importante tomar en cuenta, que en la literatura y la música hispánica este movimiento hace referencia a una corriente distinta, pero en las artes plásticas y la arquitectura el modernismo se emparenta dependiendo del país con los movimientos art nouveau, jugendstil, modern style y liberty o florale.
El modernismo catalán es una destacada manifestación de este movimiento artístico con fuerte peso sobre la arquitectura, las artes plásticas y decorativas que en Cataluña toman una identidad muy propia, y que es motivo de estudio gracias a sus características.
El modernismo catalán y sus interiores llenos de naturaleza y encanto
Aunque tenemos a varios artistas y arquitectos en el modernismo catalán, los representantes que son sin duda identificados a nivel internacional son Pablo Picasso y Antonio Gaudí a quienes sus obras les abrieron las puertas a la eternidad por su fascinante universo creativo.
El modernismo catalán se contrapuso o fue una ruptura en los edificios y arte industrial de principios del siglo XIX. Donde los artistas buscaban un volver a la naturaleza, buscar una exaltación de la belleza de esta y de lo hermoso que puede crear el hombre por medio del arte.
El mundo imaginario también se ve representado con animales fabulosos o místicos como elementos de la ornamentación arquitectónica, todo a razón de inspirarse en la naturaleza, incluso en aquella que es fantástica.
Aunque eventualmente Picasso se apartaría de este movimiento y entraría de lleno a su pasión por el cubismo, los primeros años del pintor dejan ver su integración al grupo modernista catalán y la afinidad con esta estética. Obras como L’étreinte o El abrazo, 1900 y La nana, 1901, son una muestra de esto con sus colores estridentes y sus floridos fondos.
Antonio Gaudí, los interiores llenos de naturaleza
No se pude hablar de modernismo catalán sin dar un apartado a Gaudí como principal representante del movimiento, sus obras sublimes son una muestra casi onírica de virtuosismo y creatividad integrando lo funcional y estético de manera asombrosa.
Sus obras presentan una interesante exposición de los principios modernistas de inspiración en la naturaleza, con gran colorido y formas que evitaban las líneas estáticas o rectas. Como un creador integral, Gaudí trabajó con un gran equipo de profesionales y orfebres para llevar a cabo sus obras, en donde descubrimos el uso de vidrio, cerámica, madera, metal y demás materiales con los que llevó a cabo la ornamentación y mobiliario de sus edificios.
Las obras de Gaudí como el Templo Expiatorio de la Sagrada Familia, el Parque Güel o la Cripta de la Colonia Güell, entregan edificaciones con interiores tan asombrosos como sus exteriores, donde el modernismo catalán impresiona como movimiento motor de la increíble mente de su representante estrella.
¿Cuál es tu obra favorita del modernismo catalán? Me encantará saber tus comentarios.
Suelos y alfombras. Tendencias e ideas que revolucionan tu espacio. Parte 2.
En la primera parte de esta saga de dos artículos acerca de las tendencias en suelos y alfombras, pudimos ver que la aplicación de la tecnología revoluciona cada año la manera en la que diseñamos nuestros suelos. También como el diseño ecológico está en constante fusión con los nuevos procesos y crea manifiestos que se destacan por sus combinaciones, acabados y texturas.
En esta segunda parte, veremos más acerca de las tendencias en suelos y alfombras, donde podremos ver la influencia de los procesos artesanales y las tendencias en color, parte esencial del futuro del sector.
Alfombras hechas a mano.
A menudo las alfombras se convierten en la pieza central de la composición en el diseño de interior. Tonos coloridos, que buscan una declaración de estilo, composición y textura.
Las últimas tendencias en diseño de alfombras son capaces de romper las fronteras de la imaginación.
Alfombras artesanales, arte y tradición, que no pasan de moda.
A pesar de que las alfombras pueden ser un producto comercial, también puede ser una cuidadosa pieza hecha a mano. Si la alfombra es una creación artesanal con hilos de colores creativos y hechos con cariño, única en su diseño; se convierte en una obra de arte, como una pintura o una escultura que condimentan la decoración de interior.
Este año y para el futuro se prevé que prevalecerá el interés en estas creaciones de arte, honestas a su origen y a las tradiciones de diferentes países y culturas como: Irán, Tíbet, India, Marruecos. Los cuales son conocidos por la creación de piezas únicas y hermosas en su propio estilo.
Un ejemplo destacado de esta tendencia artesanal, es la colección Alasht de Edelgrund, fabricada en Irán. Se trata de una alfombra suave que utiliza los procesos tradicionales de alfombras tejidas pero en combinación de tres colores principales que le dan un toque moderno, casi minimalista.
Atención a la alfombra como pieza artística o valiosa obra de arte.
Como ejemplo, vale la pena también explorar las alfombras creativas de la Super Luna de Sterling Rugs, una visión acertada en el diseño, color y técnica que está despertando admiración en el sector.
Tendencias en color para las alfombras de diseño.
En cuestión del color, los motivos para las alfombras y sus colores son directamente inspiración de la naturaleza. Esta es utilizada como una declaración creativa y desafiante para el diseño contemporáneo.
Los colores de la montaña de lana y seda, el tacto de la nieve helada de invierno o inclusive las imitaciones de cuero y piel, se convierten en ejemplos de expresión en auge. En estas composiciones, los colores terrenales y naturales, buscan la verdadera armonía y placer a la vista.
Tendencias en suelos y alfombras. Parte 1 y 2. Conclusiones
En lo que respecta a suelos y pavimentos, el reciclaje de materiales naturales tiene una enorme influencia y apunta a seguir en auge. Las nuevas tecnologías permiten a los diseñadores a optimizar la producción, explorar nuevas fronteras y aplicar texturas, colores y formas más sofisticadas, avanzadas y creativas nunca antes vistas. Las alfombras experimentan un renacimiento que las posiciona como piezas de arte, preciosas, únicas y extravagantes. Las alfombras orientales hoy son una fuente inagotable de inspiración que todavía tiene y tendrá su lugar y mucho que decir en la escena del diseño.
Arte en el diseño de interior ¿Cómo elegir arte para decorar tus paredes?
El arte en el diseño de interior.
El arte en el diseño de interior forma una parte imprescindible para dar el toque de personalidad a un espacio. Es lo que le da vida y hace que el ambiente cobre sentido.
A continuación te doy algunas recomendaciones para ayudarte a elegir arte para decorar tus paredes:
Decide qué estilo de arte te gusta.
Si regularmente visitas galerías, tiendas de decoración o museos, probablemente tienes un buen sentido de qué tipo de arte te atrae. Si no, hay muchas maneras para navegar por el arte, ya sea visitando galerías, ferias de arte o buscando por la web.
Las galerías y museos en la ciudad, reúnen a menudo exhibiciones mensuales o periódicas con obras que pueden interesarte. Es una gran manera de tener una tarde divertida y ver arte al mismo tiempo.
Internet proporciona la oportunidad de conocer artistas y obras de cualquier parte del mundo. Una de las ventajas del uso del Internet es que puedes buscar un tipo específico de arte, ya sea fotografía, impresionismo, abstracto, etc. Y cuando descubres tu estilo de arte, comenzarás a descubrir mucho, mucho más.
Cuando vayas a comprar arte para tus paredes: Considera la escala.
La escala puede enaltecer o romper la decoración de una habitación, por lo que cuando compres una obra de arte ten en cuenta su tamaño. No pongas una hermosa pero diminuta obra de arte por sí sola en una gran pared blanca o una enorme obra de arte que se apodere de toda la habitación.
Tip: Un cuadro con medidas de 30 x 120 cms es bastante fácil de acomodar en cualquier hogar.
¿Qué es primero? ¿El arte o el espacio?
Cualquier artista preferiría que todas las personas compraran el arte que aman y después encontrarán el lugar para ponerlo. Si te enamoras de una obra de arte, sin pensar en el lugar dónde la pondrás, este es sin duda el camino a seguir.
Colocar una pieza de arte en el lugar equivocado puede disminuir la belleza e impacto de la obra y del entorno.
Si compras una pieza de arte y no sabes dónde ponerla, o el lugar que habías pensado no funciona, prueba colgándola en diferentes lugares de tu casa, probarla en diferentes paredes.
Si no puedes encontrar un lugar donde el arte se vea bien, es posible que tengas que hacer algunos cambios en la habitación. Prueba mover muebles o quitar el color de las paredes y repintar de un color neutro. Los cambios valdrán la pena, para disfrutar el arte que amas.
Confía en tu instinto.
Si te gusta, cómpralo. Siempre encontrarás un espacio para algo que te gusta. Pero si tienes un espacio realmente limitado, debes estar preparada para cambiar tu decoración.
Pero lo más importante: el arte es una elección tan personal y una vez que está en tu casa, la verás todos los días por lo que te tiene que gustar. Cuando eliges una obra de arte, esta dice algo sobre ti y hace que el espacio sea más interesante para la familia, amigos e invitados.
«David Bowie Is» en Barcelona. Más allá de la música.
Image © Victoria and Albert Museum
Barcelona acoge la exhibición internacional de “David Bowie Is”, desde el 25 de mayo en el Museu del Disseny de Barcelona.
Este es un espectáculo traído por el Victoria and Albert Museum de Londres y ha sido una de las exposiciones más exitosas dentro de la historia del museo.
Éste fue el encargado de curar una retrospectiva internacional de la extraordinaria carrera del cantante David Bowie, uno de los artistas más influyentes de nuestro tiempo.
La exposición va mucho más allá de la música y se adentra en los procesos creativos tanto como innovador musical como ícono cultural. Dado a su estilo cambiante y disruptivo ha inspirado tanto a artistas del género musical como del artístico. Su música y estilo radical han sido gran influencia en los movimientos artísticos, de moda, diseño y cultura contemporánea hasta la fecha.
La exhibición cuenta con 300 objetos de los cuales incluyen letras manuscritas, sus icónicos trajes originales, moda, fotografía, películas, videos musicales, diseño de sets, así como los instrumentos propios de Bowie y obras de arte a partir de sus álbumes.
La intensión de este evento es examinar en profundidad como este profesional ha inspirado a otros, desafiando la convención, marcando tendencia y persiguiendo la libertad de expresión.
Image © Victoria and Albert Museum
La exposición también se centra en su trabajo colaborativo con artistas y diseñadores para dejar una influencia multisectorial. Cuenta con más de 60 trajes diseñados por diferentes iconos de moda como Freddie Buretti y las creaciones de Kansai Yamamoto, entre otros. También están a la vista las fotografías hechas por Brian Duffy, Terry O’Neill y Masayoshi Sukita.
Junto a estos se encuentran artículos más personales como storyboards creativos nunca antes vistos, así como bocetos propios de Bowie revelando la evolución de sus ideas creativas.
Image © Victoria and Albert Museum
David Bowie Is tiene como objetivo crear una experiencia inmersiva y para ello han utilizado tecnología multimedia de nivel avanzado. Gracias a ésta se puede escuchar la banda sonora que acompaña a cada una de las obras expuestas buscando la integración del sonido y la imagen que se fusiona durante el recorrido a la exposición.
Esta exposición, desde su creación, ha dado la vuelta al mundo, ha viajado a países como: Canadá, Francia, Alemania, Holanda, Australia, Brasil y Japón, antes de aterrizar en tierras catalanas. Ha superado más de 1,5 millones de visitantes, lo que le convierte en el espectáculo más visitado en los 164 años de la historia del Victoria and Albert Museum.
Image © Victoria and Albert Museum
El Victoria and Albert Museum en Londres es el principal museo de arte y diseño del mundo con colecciones de gran alcance y diversidad. Fue concebido para acercar el arte a todas las personas e inspirar a diseñadores y artistas del mundo. Este museo comprende más de 2000 años de creatividad humana en prácticamente todos los medios y partes del mundo con la misión de seguir informando e inspirando.
5 lámparas de mesa icónicas a lo largo de la historia.
De todos los descubrimientos a lo largo de la historia, la producción y la aplicación de la luz artificial se ha convertido en uno de los más destacados y revolucionarios en el mundo.
Hoy en día la luz eléctrica nos parece algo natural, sin embargo, en épocas anteriores el que un espacio se ilumine por medio de pulsar un interruptor parecería arte de magia. El tener esta posibilidad de definir la luz en el espacio que nos rodea ha generado un impacto económico, pero también, no menos importante, un movimiento artístico que influye en nuestra vida cotidiana y nuestras emociones.
La experimentación con la luz, ha sido foco de muchos diseñadores a lo largo de la historia, para generar objetos luminosos y decorativos que han dejado huella en la historia. Muchos de sus diseños, se han convertido en iconos atemporales que participan hasta la fecha en la decoración de espacios o que se han vuelto musas en la inspiración de miles de diseños actuales.
Aquí te mostramos 5 lámparas de mesa icónicas, que se diseñaron entre el año 1900 al 1990 y que han revolucionado el modo en el que iluminamos nuestro entorno:
«Apple Blossom» luminaria de mesa. Por Tiffany Studios.
Una luminaria de mesa, que traspasa décadas y sigue teniendo admiradores en todo el mundo. Esta luminaria fue diseñada en 1902. Está fabricada en bronce con una pantalla de vidrio emplomado. Una de sus características más representativas es la base de bronce que imita un tronco de árbol de manera realista y la composición de colores vivos.
Idell Super Working Light. Por Christian Dell.
Un diseño altamente versátil, del año 1930. Por medio de la composición de sus piezas se fabricaron más de 500 modelos diferentes, dado a que todas estas eran intercambiables. El extraordinario talento del diseñador Dell, ha llevado a que esta línea de lámparas se haya producido por más de 60 años.
Nesso luminaria de mesa. Por Giancarlo Mattiolo & Gruppo Architetti Urbanisti Citta Nuova
Mattiolo, es un diseñador que se le reconoce por su gran estudio y experimentación con la luz ambiental. El buscaba conseguir por medio de la luz un ambiente discreto en la que la bombilla pasase desapercibida. Por medio de su luminaria de mesa “Nesso”, diseñada en 1962, crea una pantalla que tamiza la luz por medio de pantallas de plástico de color, evitando que la intensidad de la bombilla agreda al ojo.
Lava Lights. Por Edward C. Walker. 1965
Un diseño que seguro a muchos les trae recuerdos. Esta lámpara está inspirada en un cronómetro de cocina, que se utilizaba durante la Segunda Guerra Mundial. Esta diseñada por medio de cera y agua de colores para dar ese movimiento tan original. Esta lámpara se convirtió en el ícono del movimiento psicodélico. Walker decía: “Si compras mi lámpara, no necesitarás tomar drogas.”
Missi sissi table light. Por Philippe Starck
Este producto se convirtió en el mayor éxito comercial del diseñador Philippe Stark. Está confeccionada por medio de policarbonato modelado por inyección, lo cual lo hace un diseño accesible y fácil de producir en masa. Al igual que otros productos del diseñador, trata por medio de las costuras y el nombre del producto dotarlo de humanidad y personalidad.
Pop Art, objetos cotidianos convertidos en arte.
Pop Art, es un movimiento artístico que cambio de manera abrupta la comunicación visual. Se le considera la representación del sueño americano, optimista, generoso e ingenuo.
Las Latas de Sopa Campbell’s (Campbell’s Soup Cans) de Warhol son la obra de arte que llevó al arte pop a convertirse en un importante movimiento artístico en los Estados Unidos
El Pop Art comenzó con la creación de varios artistas en Nueva York como: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, y Claes Oldenburg, los cuales se basaron en la imaginación popular para crear un fenómeno internacional. Siguiendo la popularidad de los expresionistas abstractos, la reintroducción de imágenes imaginarias identificadas por Pop, las cuales eran extraídas de los medios de comunicación y de la cultura popular, promovieron un gran cambio en la dirección del modernismo.
Los temas disruptivos, que utilizaron para la creación de sus obras, se alejaban de lo tradicional como la moralidad, la mitología y la historia clásica. Más bien, los artistas celebraban los objetos cotidianos y personas comunes, con el objetivo de elevar la cultura popular a nivel de arte. Quizás debido a la incorporación de imágenes comerciales, el arte pop se ha convertido en uno de los estilos más reconocibles del arte moderno.
Considerada una piedra angular del trabajo de Lichtenstein, “Drowning Girl” a veces también se conoce como «I Do not Care! I’d Rather Sink».
Mediante la creación de pinturas o esculturas de objetos populares en la cultura de masas y estrellas de los medios de comunicación, el movimiento de arte pop tuvo como objetivo difuminar los límites entre el arte «alto» y la cultura «baja». Defendían el concepto de que no hay jerarquía de la cultura y que el arte puede tomar prestado de cualquier fuente.
Los expresionistas abstractos buscaban sus fuentes de expresión en los traumas en el alma, mientras que los artistas pop buscaban inspiración en los traumas en el mundo que se manifiesta en la publicidad, los dibujos animados y las imágenes populares en general. Los artistas pop creían que todo está interconectado, el alma, el mundo natural y el entorno construido por el hombre, por lo tanto, tratan de hacer esas conexiones literales que se manifiestan en sus obras de arte.
Los artistas pop se inspiraban en todo lo relacionado a de la fabricación en masa y los medios de comunicación después de la Segunda Guerra Mundial. Algunos críticos han citado la opción de que el Pop Art, da rienda al apoyo entusiasta hacia el mercado capitalista y los bienes que consumo. Mientras que otros toman estas obras como manifiesto de una crítica cultural y social hacia el consumo. Se dice que los mismos artistas, producían estas piezas en tono de burla hacia el mundo del arte, reproduciendo objetos cotidianos para que el sector artístico, dado a la reputación de los autores, los considerara piezas de arte.
El Pop Art, trasciende de las pinturas y las galerías, para hoy en día convertirse en un estilo de decoración que no pasa desapercibido. Un estilo atemporal, que nunca decepciona.
Salone del Mobile. La feria más importante del diseño europeo.
Creditos foto: Saverio Lombardi Vallauri
Milán, durante esta semana se ha convertido en el centro del mundo creativo. Durante más de 50 años, el Salone del Mobile, se ha convertido en el punto de referencia internacional para el diseño. Genios creativos de todas partes del mundo, se dan cita en este evento impresionante; así como proveedores y amantes del mobiliario y el diseño en general.
El Salone del Mobile, es un universo creado alrededor del producto, piezas que se presentan por primera vez, o piezas que se han convertido en íconos y clásicos, que aún se siguen encontrando entre los más vendidos. Los catálogos de las empresas expositoras, se convierten en ejemplos representantes de las tendencias en estilo de vida y hogar. Cada uno de los objetos expuestos, tienen en común la innovación, la investigación y la calidad. Una semana al año, se crea este mundo del diseño y definitivamente es donde nacen las tendencias, se reconocen nuevos talentos y se consolidan empresas.
En esta edición, la número 56, se destaca un fenómeno sin precedentes, no existe un color particular ni un diseñador destacado, se presentan productos más flexibles, adecuándose a las necesidades del usuario, los cuales exigen productos casi a medida, para responder a sus necesidades específicas. Las personas cada vez más buscan satisfacer el deseo de la personalización, sobre todo en el sector de la decoración del hogar.
Créditos Foto: Saverio Lombardi Vallauri
¿Qué tendencias encontramos en el Salone del Mobile 2017?
Uno de las tendencias estéticas que rondan por los pabellones de la feria es la Elegancia Contemporánea, que fluctúa entre el minimalismo y la funcionalidad, entre las habilidades artesanales, la era digital y la innovación tecnológica. Todo con el objetivo de conjugar emociones bellas y experiencias de flujo y equilibrio. La Elegancia Contemporánea, habla de un lujo palpable, no estridente, enriquecido con detalles que se convierten en acabados estructurales, particulares, con materiales cálidos y blandos.
“Lujo” es una palabra que surge con frecuencia en esta edición 2017, como sinónimo de exclusividad preciosa y teatral, en una mezcla equilibrada: la calidad de la elegancia.
Otra tendencia, que se manifestó en el Salone del Mobile, durante este año, fue la Fabricación Artística de los productos, principalmente por firmas italianas, famosas a nivel global por su tradición y habilidad en los procesos manuales tradicionales. Las referencias del pasado, son hoy una inspiración e impulso para diseñadores y fabricantes, creando hoy fuerte manifiesto en el sector.
Las “Re-edi
ciones”, en las que aquellas piezas que han marcado las pautas en la historia del diseño y que siguen siendo objetos magníficos, son reinterpretados por diseñadores de gran reputación global, creando manifiestos que se adaptan a la temporalidad en la atemporalidad. Un ejemplo claro, es el sillón Ghost, de Cini Boeri. Este sillón de cristal, con más de 30 años de historia, fue ahora reeditado y presentado, en colaboración con Tomu Katayanagi.
El escenario de este año evidencia la búsqueda por la verdadera esencia del producto, buscando vínculos con el arte, la historia, los antecedentes culturales y la naturaleza.
Takashi Murakami y su Superflat.
Parte importante de mi profesión como interiorista, es estar continuamente actualizándome con las últimas tendencias de diseño, interior, color, etc. Pero dentro de mis procesos creativos, siempre me ha gustado buscar inspiración en artistas, pintores, escultores y diseñadores de otras ramas.
Es por ello que esta semana te comparto uno de los artistas gráficos y escultura que he seguido durante un tiempo. Este artista japonés contemporáneo, Takashi Murakami, ha trabajado con pintura y escultura. También ha tenido colaboraciones en moda, medios comerciales, mercancía y animación.
Takashi Murakami, nació y creció en Tokio durante la época de los 60. Estudió en la Tokio University of Arts, donde se especializó en Nohonga, estilo tradicional japonés. El los 90, Murakami desarrolló uno de sus personajes más famosos y recurrentes en su obra: Mr. Dob, la expresión de su autorretrato. En los años 90, emprende a la ciudad de Nueva York, donde se empapó de las influencias de artistas como Jeff Koons, escultor kitsch, famoso por resignificar los objetos cotidianos jugando con la escala de los objetos.
Su obra ha sido comparada en multitud de ocasiones con el arte pop americano, tanto a nivel de contenido como a nivel estético. Así como Andy Warhol, máximo exponente del pop art estadounidense, como Takashi Murakami, se han basado en la cultura popular de su entorno para crear su obra. El tratamiento de la imagen, en base a colores planos, tiene grandes similitudes.
En el 2000 publico su propia teoría Superflat, donde plantea una herencia de imágenes bidimensionales que ha existido durante toda la historia del arte japonesa y que subsisten a través de manga y el anime. Busca crear una analogía entre lo alto y lo bajo, presente en su obra y como crítica a la sociedad, argumentando las diferencias entre clases sociales y el gusto popular, que dice: Han sido aplanadas. Bajo el mismo concepto, busca manifestar con la creación de diferentes “empaques” su arte, re-empacando arte “baja” o subcultural como arte “alto” y viceversa, re-empacar su arte “alto” como mercancía y productos como camisetas y muñecos, para hacerlos accesibles a precios económicos “bajo”.
Su trabajo es reconocido por su empleo del color, la incorporación de adornos de la cultura japonesa tradicional y popular, el uso de superficies planas y brillantes. Entre sus figuras más famosas se encuentran: flores riendo, setas, cráneos, iconografía budista, y los complejos sexuales de la cultura otaku. Sus pinturas, esculturas y globos, son coloridos y muy atractivos, con una imagen jovial y divertida.
A menudo juega con el cuestionamiento bilateral entre: Este y Oeste, pasado y presente, arte serio y cultura popular. También han dado de que hablar sus colaboraciones con Marc Jacobs y Louis Vuitton, donde une el arte con el producto. También fue famosa su colaboración con Google, con un doodle llamado “First Day of Summer”.
Murakami, también busca apoyar a artistas japoneses en el mundo. Organiza cada año el festival GEISAI en Japón para talentos emergentes y su compañía Kaikai Kiki, apoya y administra a un grupo de jóvenes artistas.
“Llegar a ser un ejemplo viviente del potencial del arte” Takashi Murakami.